Le blog de David Verdier

  Histoire de se détendre avec la rentrée qui se profile, rien de tel qu’une petite séance ciné. Étant amateur de la série des « Mission : Impossible » avec le comédien Tom Cruise (en 1996, je découvrais le premier opus en salle, réalisé par le grand Brian De Palma), j’avais raté sur grand écran le quatrième volet qui maintenait la série à un très bon niveau dans le genre action / espionnage.

  Avec ce nouveau film, « Mission : Impossible – Rogue Nation », on a droit à plusieurs scènes particulièrement réussies : celle qui se déroule à l’opéra, par exemple, est un modèle du genre (on penserait presque à Hitchcock en terme d’ambiance et de suspense). Tom Cruise, très énergique malgré les années qui passent, assure toujours aux côtés des autres comédiens. On assiste à des scènes d’action très lisibles, une intrigue bien menée (peut-être une petite baisse de régime dans la dernière demi-heure) et un soupçon d’humour en prime. Quant à la présence de la splendide comédienne Rebecca Ferguson, que dire sinon qu'elle ajoute à elle seule un piment non négligeable à l'ensemble !

  Il faut bien sûr accepter les partis pris parfois énormes du scénario mais avec ce genre de films, on sait à quoi s’attendre et on l’accepte (amateurs d’Ingmar Bergman ou Eric Rohmer, passez votre chemin !).

  À l’heure où on nous bombarde des dizaines de films d’action par an, dont beaucoup se révèlent insipides (ils ont même réussi à flinguer LA série emblématique du genre, les « Die Hard » avec Bruce Willis – dispensez-vous du cinquième volet, franchement mauvais), les « Mission : Impossible » et les derniers James Bond avec Daniel Craig s’avèrent être les deux sagas les plus excitantes du moment. À mes yeux, en tout cas.

  Ça tombe bien : Tom Cruise est déjà partant pour un sixième opus et un nouveau Bond arrive en fin d’année…    

  Tout le monde a en tête la scène de la douche dans le chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock, « Psychose ». Si l’on parcourt le cinéma indépendant américain des années 70, on tombe sur l’un des derniers films réalisés par Russ Meyer en 1975, « SuperVixens ». Celui-ci offre une version alternative de ce qui peut se passer lorsqu’on décide de tuer une femme dans une baignoire. Mais le traitement de la séquence est assez différent de celui du grand Alfred.

  Russ Meyer, surtout connu des cinéphiles acharnés – ses films ne sont pas énormément diffusés –, s’est fait le spécialiste des comédies érotiques déjantées. Certaines de ses œuvres, peuplées de jolies filles aux poitrines opulentes, sont de véritables hommages à la BD et au dessin animé.

  Avec « SuperVixens », nous sommes en pleine histoire traitée façon Tex Avery. Dans la scène qui nous intéresse, un homme, Harry Sledge, excédé par la jeune femme qu’il a en face de lui, va se défouler sur elle jusqu’à la tuer (pour l’anecdote, l’acteur jouant le meurtrier est Charles Napier, que l’on retrouvera des années plus tard dans le film « Le silence des agneaux », mis à mort à son tour de façon très violente, victime du cannibale Hannibal Lecter).

  La jeune femme est quant à elle interprétée par une comédienne dont on ne sait pas grand-chose et qui ne tourna dans toute sa vie que deux longs-métrages : Shari Eubank.

  Tout commence dans le salon de Super Angel (c’est le nom du personnage féminin !) : après une scène où l’on sent la tension monter progressivement, Harry frappe Super Angel. Choquée, cette dernière va se réfugier dans la salle de bain dont elle verrouille la porte. Harry aura toutes les peines du monde à la défoncer (on pense à « The Shining » de Kubrick, à ceci près que ce dernier n’était pas sorti à l’époque !).

  Laissant son couteau planté dans la porte, Harry parvient enfin à la dégonder. Elle vient alors s’écraser sur Super Angel, lui plongeant par la même occasion l’arme dans la poitrine.

  Blessée, la jeune femme n’a plus la force de se défendre et est entraînée dans la baignoire par son bourreau, qui va s’acharner sur elle en l’écrasant à coups de pied. Il saute dessus sauvagement à plusieurs reprises, pesant de tout son poids sur le corps de sa victime.

  Là où Hitchcock laissait le sang s’échapper par la bonde de la baignoire, Russ Meyer nous montre l’eau stagnante autour du corps ayant viré au rouge.

  Dernier acte : Super Angel se redresse péniblement, ensanglantée (là encore, l’ombre du Maître du suspense plane sur la scène : on ne peut s’empêcher de comparer ce passage à la posture de Janet Leigh dans « Psychose », tandis qu’elle glisse lentement dans la baignoire, se figeant un instant avant de s’effondrer totalement).

  Harry, quant à lui, s’approche de la radio branchée sur secteur. Visiblement décidé à aller jusqu’au bout, il revient vers la baignoire et jette le poste dans l’eau, électrocutant ainsi la jeune femme, la tuant une bonne fois pour toutes.

  Il est regrettable de ne pouvoir profiter du film de Russ Meyer grâce à un support décent en France : le DVD disponible est en effet lamentable techniquement parlant, tant au niveau du son que de l’image. Il faut donc accepter de visionner le long-métrage dans des conditions très médiocres.

  Cela n’empêche cependant pas de se rendre compte à quel point cette scène de mise à mort est extrême : tout d’abord, entre le premier coup que reçoit Super Angel et son électrocution, il s’écoule de longues minutes, Meyer dosant savamment son suspense. De plus, le ton de la séquence devient par moments tellement léger – on flirte à plusieurs reprises avec le vaudeville – que l’on a du mal à imaginer le cinéaste allant jusqu’à faire mourir la jeune femme.

  Si l’on met à part le cinéma d’horreur, genre où beaucoup de choses sont permises, il est assez rare de voir autant de violence exercée sur un personnage féminin (quelques exemples existent pourtant, de « True Romance » du regretté Tony Scott – dans lequel la très jolie Patricia Arquette est complètement défigurée par les coups qu’elle reçoit – au très discutable « Irréversible » de Gaspar Noé où Monica Bellucci est violée puis frappée à coups de poings et de pieds, finissant dans un état lamentable).

  Ce qui permet d’accepter la scène dans « SuperVixens », c’est que nous sommes, à l’instar des films de Quentin Tarantino, dans un monde décalé où l’humour est souvent présent et où le côté « énorme » des situations permet de prendre du recul par rapport aux images.

  Si le film de Russ Meyer n’est pas un chef-d’œuvre du 7^e Art, c’est incontestablement une curiosité cinématographique qui contient quelques scènes franchement gonflées (dans tous les sens du terme !) qui valent le détour.

D.V.

  Peu d’œuvres cinématographiques débutent avec une séquence qui se révèle être l’une des scènes les plus puissantes de tout le film. C’est pourtant le cas de « Suspiria », conte fantastique orchestré par le cinéaste italien Dario Argento en 1977.

  Il faut resituer le contexte : au moment de la sortie de ce film, personne n’était préparé au spectacle qu’il offrait. Argento, en digne héritier de l’immense Mario Bava, avait signé, depuis le début de sa carrière, une poignée de longs-métrages appartenant au genre qui m’est si cher, le giallo. Les règles et codes de ce dernier, fixés essentiellement par Bava et repris par quelques autres, vont être bousculés par Argento qui, s’il est assez respectueux avec ses premiers essais (« L’oiseau au plumage de cristal » et « Le chat à neuf queues », pour n’en citer que deux), signe en 1975 un film transgressif à plus d’un titre, « Les frissons de l’angoisse », sommet ‘giallesque’ assez difficilement dépassable. Dans les mêmes années, le giallo va peu à peu déserter les écrans de cinéma et Argento, probablement conscient de la chose, oriente son film suivant vers une autre voie : le fantastique.

  Mais comme il l’a fait avec « Les frissons de l’angoisse », le réalisateur ne parvient pas à s’enfermer dans les règles du genre et il va signer avec « Suspiria » un OVNI cinématographique, un opéra de la Mort, baroque, d’une incroyable beauté formelle et imprégné d’une violence graphique sidérante.

  Dès les premières minutes de film, nous sommes dans le bain : une photographie saturée de couleurs agressives – essentiellement du rouge, annonciateur de la suite –, une héroïne à peine arrivée à l’écran et déjà larguée par ce qui se passe autour d’elle, des images qui ne semblent pas toujours avoir de lien entre elles, une musique dérangeante à souhait… le cinéaste nous prépare pour le grand plongeon.

  Après l’arrivée de Suzy (Jessica Harper) à l’école – elle repart aussi sec, personne ne se décidant à lui ouvrir –, nous assistons à une seconde séquence dans laquelle l’ambiance étrange du film perdure, tandis qu’un double meurtre est perpétré à l’écran. Le criminel, on ne le voit pas, juste des bras velus et une main tenant un couteau.

  A mi-chemin entre les crimes commis dans le giallo (l’arme blanche est l’un des emblèmes du genre) et l’horreur pure, la mise à mort de deux jeunes femmes – premières victimes du film – est d’une violence extrême. Graphiquement, Argento esthétise chaque plan, tout en ayant recours à certains éléments qu’il a fréquemment utilisés dans son œuvre. Le verre, par exemple. Une nouvelle fois, un visage se trouve plaqué contre une vitre de fenêtre et la tête de la victime, ainsi pressée, finit par passer au travers.  

  Mais reprenons la chronologie des événements : le chant de la Mort commence avec deux yeux maléfiques qui apparaissent à l’extérieur, effrayant ainsi l’une des jeunes femmes. Une scène d’attente, jouant ouvertement la carte du suspense, nous a suffisamment mis mal à l’aise pour que le maestro nous assène la suite : nous retrouvons la femme ailleurs (vraisemblablement sur le toit de la grande demeure, étant donné la suite – quant à savoir comment elle est arrivée là, mystère !), en train de se faire poignarder à plusieurs reprises. Son amie, toujours à l’intérieur, hurle, comme si c’était elle que l’on frappait, et nous nous perdons dans la géographie des lieux, ce second personnage se retrouvant désemparé, ouvrant une porte qui donne sur une autre, changeant d’endroit sans crier gare, tambourinant contre une nouvelle porte (les décors et l’image sont particulièrement morcelés tout au long du film par une utilisation récurrente de formes géométriques)…

  Pendant ce temps, la victime poignardée, le cœur littéralement à vif – plan grand-guignolesque par excellence –, est attachée à l’aide d’un câble. Son corps toujours remuant se retrouve sur la verrière située au-dessus du hall de la maison. C’est dans ce même hall que déboule l’amie horrifiée, qui voit la tête de sa camarade passer à travers le verre – encore et toujours !

  Le final est digne des meurtres extrêmement élaborés que l’on peut voir habituellement dans le giallo (oui, « Suspiria » s’en inspire décidément beaucoup !) : la victime fracasse la verrière avec le poids de son corps et se retrouve pendue par le câble enroulé autour de sa taille un instant auparavant. Quant à son amie, elle est également morte, allongée par terre, une plaque de verre lui ayant tranché le visage, et un morceau de métal formant un angle lui ayant transpercé le corps. Cette mise en scène complètement baroque est dévoilée à travers un plan-séquence où la caméra évolue dans le décor, tel un voyeur à l’affût du moindre détail macabre ou sanglant.

  « Suspiria » s’inscrit dans une trilogie, que Dario Argento ne clôtura que bien des années plus tard, en 2007 pour être précis. Le second film, « Inferno », sorti peu de temps après « Suspiria », renouait avec l’esthétique très personnelle instaurée par le cinéaste dans ce premier volet.

  Aujourd’hui, « Suspiria » est reconnu comme une référence dans le genre fantastique : son originalité n’y est certainement pas pour rien. La narration ne se soucie d’aucune cohérence – il précède même en cela un autre classique du fantastique, sorti trois ans plus tard, « The Shining » de Kubrick – et la mise en scène hyper-stylisée restera l’une des marques de fabrique du cinéaste.

  Tout comme l’architecture complexe des lieux où se déroule le double meurtre, la mise à mort des deux jeunes femmes relève d’une œuvre d’art. Entendez par là qu’Argento ne se contente pas de quelques coups de couteau : lorsque nous découvrons les corps dans le dernier plan de la séquence, nous prenons conscience de tous les éléments qui se trouvent réunis pour déboucher sur cette scène, à la fois dérangeante dans ce qu’elle montre et en même temps faisant preuve d’une esthétique audacieuse, vu le contexte. Le décor fait partie intégrante de la mise à mort, l’architecture de la maison s’étant désagrégée pour prendre une nouvelle forme et ne faire littéralement plus qu’un avec le cadavre allongé sur le sol.

                                                                                                                                                                             D. V.

  Cela m'a valu une courte nuit mais ça y est, j'ai achevé le montage de mon court-métrage "Celle qui l'a vu", tourné fin août dans le cadre de notre association de cinéma amateur Travelling. Sa durée : 5 minutes et 40 secondes. Je reviens ainsi à du format très court mais ce qui est satisfaisant, c'est de voir à quel point j'ai pris plaisir à faire ce film, plus de 4 ans après mon dernier scénario personnel mis en images.

  Comme je le disais à mon copain David Delhoume, j'en suis même à me demander si je ne ferais pas, à l'occasion, un second film qui mettrait à nouveau en scène mes deux personnages féminins. Cindy et Sandra ayant été emballées par leur expérience (j'espère qu'elles le seront toujours quand elles auront vu le résultat !), je leur proposerais volontiers de rempiler.

  Pour l'instant disponible dans le cercle privé, je vous tiendrai au courant si le film est mis en ligne dans un proche avenir sur la toile.

  Pur hasard, j’ai découvert cette semaine deux films avec la comédienne Scarlett Johansson. Ce n’est un secret pour personne autour de moi, la jeune actrice est à mes yeux l’incarnation d’un pur fantasme cinématographique. Si je ne l’ai pas toujours vue dans des films marquants, elle est souvent incroyablement belle et envoûtante, ce qui compense un jeu parfois décevant.

  Si le premier des deux longs-métrages visionnés ces derniers jours n’apporte pas grand-chose à la carrière de Scarlett, il a au moins le mérite de la montrer radieuse et complètement craquante. « Don Jon » ne vole pas haut, est finalement assez vulgaire et pas très drôle, mais la voix de l’actrice (vive la V.O. !) et sa plastique affolante m’ont maintenu éveillé.

  Beaucoup plus intéressante fut la découverte en salle du second film, l’étrange « Under the skin », qui frôle l’expérimental et est accompagné d’une bande-son entêtante et d’images fascinantes. Le tout marqué par l’omniprésence de Scarlett Johansson, brune, mal fagotée, quasi-muette (une sorte de négatif de son personnage dans « Don Jon », donc).

  Ces deux films, à l’opposé l’un de l’autre, tant d’un point de vue narratif qu’esthétique, ont au moins le mérite de mettre en valeur, de manière fort différente, une comédienne qui n’est pas que l’une des plus jolies femmes du moment. Car elle se révèle formidable dans le rôle de cet alien dont on ne sait rien, qui erre dans « Under the skin » tel un fantôme insaisissable… fantôme que l’on voudrait pourtant tous attraper, vu son apparence !

  Le film de Jonathan Glazer évoque pour certains le Stanley Kubrick de « 2001, l’odyssée de l’espace ». Sans en atteindre évidemment l’ampleur ni la perfection, on peut effectivement penser au Maître en se laissant bercer par les images de « Under the skin ». Dès les premiers plans, j’ai en tout cas eu conscience de rentrer dans une expérience visuelle et sensorielle rare au cinéma. Et je suis ressorti de la salle heureux. Je m’étais déplacé par curiosité tout d’abord, ensuite parce que Scarlett tenait le rôle principal. Au final, j’ai vu l’un des films les plus intéressants de ce premier semestre 2014.